Lost & Found: Musik ohne Grenzen.

"All Born Screaming" hat ausdrucksstark die essenziellen Dinge des Lebens im Blick. Der erste Schrei nach der Geburt ist ein Triumph, denn er entscheidet womöglich darüber, ob das Leben eine Chance erhält. Er ist ein Ur-Schrei, der die Angst, das Leiden und die Ungewissheit des Geburtsvorgangs hinter sich lässt und den Gegenpol, nämlich die Entspannung, die Zuversicht und die Liebe möglich macht.  Die 1982 in Tulsa, Oklahoma, geborene Künstlerin Annie Clark, die sich St. Vincent nennt, überträgt die Metapher des Titels ihres siebten Albums "All Born Screaming" hinein in ihre Gegenwart: "Ich stehe auf der Schwelle zwischen Leben und Tod, und ich versuche, damit klarzukommen", gesteht sie sich ein. Das erste Werk seit " Daddy`s Home " aus 2021 lebt von Gegensätzen und Reibungspunkten und von konsequenten, richtungsweisenden Klang-Vorgaben. Daneben wird versucht, Kontroversen miteinander zu versöhnen, verlässliche Kompromisse zu erschaffen und unko

Laura Carbone - eine verführerische, zärtlich-wilde Schamanin.   Herausfordernde Kunst basiert häufig auf einer individuell stark ausgeprägten Persönlichkeit. Die Musikerin Laura Carbone profitiert nicht nur von ihren deutschen und italienischen Wurzeln, sondern macht klangliche Kreativität und feinfühlige Spiritualität zu ihren Markenzeichen. Mit der wandelbaren Stimme regt sie die Empfindungen der Menschen an und als Medium geht sie auf Tuchfühlung mit Sehnsüchten, Ängsten, Hoffnungen und Glücksgefühlen. "The Cycle", das vierte Album der in Berlin ansässigen Künstlerin, stellt Kreisläufe in den Mittelpunkt der Überlegungen, was sinnbildlich für die Jahreszeiten, aber auch für das Leben stehen kann. Auf dreizehn Songs schlägt sie also gedanklich einen Bogen vom Werden bis zum Vergehen. Credit: Lisa Carbone Der Song-Zyklus beginnt mit "Mourning Each Day Away", wo Sehnsucht in intensiv aufgeladene Noten gegossen wird: "Ich sehne mich nach jemandem, der mich hält

Handelt es sich bei Zweckoptimismus eigentlich zwangsläufig um Selbstbetrug? Gemeinsame Empfindungen bei ähnlichen Erfahrungen haben Kathryn Williams und Dan Willson, der unter anderem als Withered Hand Musik macht, für das Projekt "Willson Williams" zusammengebracht. Die beiden kennen sich seit 2019 und mussten in jüngster Vergangenheit wichtige Menschen aus ihrem Umfeld verlieren. Das hat sie emotional so stark verbunden, dass aus ihren nächtelangen Küchen-Gesprächen Songs geworden sind. Inmitten der schottischen Musik-Szene fanden sie unter anderem mit Louis Abbott (Schlagzeug, von Admiral Fellow), Graeme Smillie (Bass, von Arab Strap), Kris Drever (Gitarre, von Lau), Chris Geddes (Keyboards, von Belle & Sebastian) und Kenny Anderson (Akkordeon, von King Creosote) kompetente Partner für die Umsetzung ihrer Entwürfe. Inmitten von harmonischen, vollmundigen, überwiegend ruhigen Klängen lassen sie den Gefühlen freien Lauf und daraus entsteht oft ein Kontrast zwischen Tros

Jetzt erst recht: Dino Brandão trotzt den Widrigkeiten des Lebens. Die Diagnose einer schweren Krankheit kann zu tiefen Depressionen oder zur Freisetzung von bisher nicht ausgeschöpften Fähigkeiten führen. Oder es kann beides passieren. Wie beim Schweizer Musiker Dino Brandão. Das Leben des Künstlers ist von einigen Wechselfällen geprägt. Aufenthalte in psychiatrischen Kliniken und Erfolge als Kreativer stehen sich dabei kontrastreich entgegen. Aktuell wurde b ei ihm Multiple Sklerose festgestellt.  Dino Brandãos Leben ist dadurch sinnbildlich in einen Taumel zwischen Zweifel und Euphorie geraten. Kontraste, die dazu führten, dass "Self Inclusion" einen langen Entstehungsprozess benötigte und das Werk zu einem extravaganten, spannenden Erlebnis werden konnte. Durch die Lebensumstände erklärt sich, warum die Platte so viele unterschiedliche Facetten authentisch aufzeigen kann - sie sind eben alle intensiv durchlebt oder durchdacht worden. Zudem setzt "Self Inclusion"

Oliver Hohlbrugger konfrontiert uns mit einem scheinbaren Widerspruch: Nichts hat sich geändert, alles ist neu. Die Aussage "nichts hat sich geändert, alles ist neu" kann man unter anderem auf den Zustand der Welt beziehen: Die Naturgesetze funktionieren immer gleich, aber trotzdem ist alles ständig im Wandel. So löst sich der Widerspruch auf, den der norwegische Musiker Oliver Hohlbrugger mit dem Titel seines zweiten Albums (nach "The Choirboy" aus 2016) provoziert. Credit: Haavar Goa Oliver Hohlbrugger schöpft ergänzende Impulse für seine Arbeit nicht nur aus dem Rock ’n’ Roll, sondern auch aus der Melancholie. Er komplettiert mit diesen Eingebungen ein von dunklen Strömungen durchzogenes Genre. Das gelingt, weil Erinnerungen an seine Idole und musikalische Vorlieben anscheinend in seine DNA übergegangen sind. Ihm zur Seite standen für diese Transformation exzellente Pop-, Rock- und Jazz-Musiker, die die Aufnahmen sowohl in Norwegen als auch in New York einspielte

Erstaunlich! Jedes Stück auf "A la Sala" beinhaltet eine spezielle Tonfärbung. Das Trio Khruangbin aus Texas vollbringt trotz nahezu gleicher Instrumentierung durch die Rumpfbesetzung von Laura Lee Ochoa am Bass, dem Schlagzeuger Donald "DJ" Johnson, Jr. und Mark "Marko" Speer an der E-Gitarre  ein hohes Maß an Abwechslungsreichtum . Das gelingt, weil aufgrund der unterschiedlichen Gewichtung der wenigen eingesetzten Klangkörper ein vielfältiges Erleben der überwiegend instrumentalen Kompositionen  entsteht . Dazu kommt ein gerütteltes Maß an Erfahrung, Vorstellungskraft und Mut, was zusätzlich zur Differenzierung der Stücke beiträgt. Dadurch, dass jeder Track einen originellen Weg verfolgt, benötigt man allerdings ein weites (Selbst)-Verständnis von Musik, um das Album in Gänze einordnen, honorieren und nachvollziehen zu können. Es ist ein Lehrstück für eine universelle Auffassung und Umsetzung von Klangstrukturen jenseits von eingefahrenen Stilgrenzen. C