Lost & Found: Musik ohne Grenzen.

Dieser intime, kultivierte Ausdruck. Diese hohe, sensible Stimme. Diese gediegene, melodramatische Atmosphäre. "A Lantern And A Bell" - das siebente Album von Loney Dear - verbreitet den Klang der Sehnsucht und Vergänglichkeit. Aber auch den der Zuversicht, der die Kraft der Liebe und die Freude am Leben lobpreist. Mitunter treten diese Gefühle nicht offensiv in den Vordergrund, sie sind aber Bestandteil, Inhalt sowie Ausgangspunkt und Zentrum der neun neuen Lieder.  Als Inspiration für die inhaltliche und musikalische Ausgestaltung müssen immer wieder Symbole rund um das Meer herhalten. So zeigt das Cover des Werkes die internationale Flagge für in Seenot geratene Schiffe. Das ist als Sinnbild für den Zustand zu verstehen, in dem sich der Schwede Emil Svanängen, der sich Loney Dear nennt, zu Beginn der Arbeit an dem aktuellen Album befand. In dieser Zeit - die sich anfühlte wie der Blick in den Abgrund - sorgte die Musik dafür, dass die Dunkelheit ihre Schrecken verlor und

Instrumental-Musik umgibt häufig eine Aura der komplizierten Kopflastigkeit, der abgehobenen Intellektualität oder der unnahbaren Eliten-Kunst. Dabei ist es egal, ob es sich um Bereiche der Klassik, des Jazz oder der Minimal-Art handelt. Zwanglose Unterhaltung verbindet kaum jemand mit Tönen, zu denen nicht gesungen wird und nicht getanzt werden kann. Auch die sechsköpfige Formation Bell Orchestre gehört einer Gattung von ernsthaften Künstlern an. Das Kollektiv erschafft mit ihren Improvisationen Klanglandschaften, die zum Eintauchen und Zurückziehen einladen und trotzdem anregend und ungewöhnlich klingen. Es gibt etliche Etiketten, die dieser Musik angeklebt werden könnten: Post-Rock, Neue Musik, Ambient, Jazz, Avantgarde oder Weltmusik. Aber keines passt wirklich, es steckt vielmehr von Allem etwas drin. Bei den zehn Stücken des ersten Werkes seit 10 Jahren gibt es jedenfalls keinen eindeutigen Stil-Favoriten. Die "House Music" wurde in 10 Phasen unterteilt, welche aufeinan

  Ohne es letztlich zu wissen, könnte aber angenommen werden, dass der Veröffentlichungstermin von "The Art Of Letting Go" bewusst auf den 19. März 2021 gelegt  wurde . Denn ein Tag später ist Frühlingsanfang und die Musik von Rikke Normann ist überwiegend positiv ge stimmt  und scheint sich in diese Aufbruchsstimmung einklinken zu wollen. Dabei behandelt das neueste Werk der norwegischen Musikerin überwiegend ernste Themen, denen wir uns eventuell auch einmal stellen müssen, wie zum Beispiel dem Loslassen. Dem Loslassen von Gewohnheiten, von Menschen, von Einstellungen oder von Lebensabschnitten. Das kann freiwillig oder gezwungenermaßen erfolgen. Und dann gibt es Probleme. Und dazu bedarf es einer Lösung, die uns durch die Krise führt und im besten Fall die Erkenntnis bereit hält, wie wir positiv in die Zukunft schauen können. Das gelingt natürlich nicht immer.  Aber genug der philosophischen Kalenderweisheiten, betrachten wir die musikalischen Mittel, derer sich Rikke Norm

  "Honesty" ist das zweite Album des Engländers Jake Isaac. Das erste hieß "Our Lives" und kam 2017 raus. Darüber hinaus gab es seit 2012 noch ein paar verstreute EPs des unter Kollegen und Kolleginnen beliebten Musikers. Isaac wuchs als Sohn eines Priesters in London auf und hat karibische Wurzeln. Er kann Schlagzeug, Klavier und Bass spielen und schreibt eigene Songs.  Unter Kritikern galt er  nach dem Erfolg seines Erstlings-Werkes  als Hoffnungsträger und wurde als der nächste große Star gehandelt. Das  setzte ihn immens unter Druck und blockierte seine Produktivität.  Deshalb schrieb er sein Nachfolgewerk erst in den ersten Märzwochen des vorigen Jahres. Also in der Isolierung des ersten Lockdowns in Großbritannien. Ehrlichkeit hat er sich auf die Fahnen geschrieben. Ehrlichkeit im Umgang mit seinen Mitmenschen und mit ihm selbst. Wahre Gefühle möchte er ausdrücken. Dazu benutzt er Elemente aus Soul, Pop, Gospel und Folk, die er nachdenklich und gefühlvoll in S

"Freeze Where U R" zeigt auf, was möglich ist, wenn Seelenverwandte zur richtigen Zeit zusammen finden, um gemeinsam ihre losen Ideen zu fertigen Songs zu formen. Dann können aus Rohdiamanten Edelsteine entstehen. Dieses Phänomen gelang Brisa Roché & Fred Fortuny auf beeindruckende Weise. Getrennt voneinander bewiesen sie schon ihr Talent, als Duo schwingen sie sich zu ungeahnten Möglichkeiten auf. Die beiden Musiker trafen sich bereits vor zehn Jahren, verloren sich danach zwar nie gänzlich aus den Augen, fanden aber erst jetzt Zeit, um ihre Entwürfe zu einem Werk zu fusionieren: Die Stücke sorgen für wohltuende Assoziationen, bringen Vergangenes zum erstrahlen, lassen die Gegenwart glänzen und auf eine schillernde Zukunft hoffen. Die Künstler demonstrieren mit ihren Kompositionen eine schöpferische Reife auf Basis langjähriger Erfahrungen und statten ihre Lieder originell und geschmackvoll aus.   Aber wer sind die Protagonisten hinter diesem stimmigen Pop-Album?  Brisa

Der Sound des Projektes Stereolab ist für den Zufallshörer kaum zu fassen oder einzuordnen, zu unterschiedlich sind die Stücke gestrickt. Der Schwerpunkt kann dabei sowohl auf Lounge-Pop, Bossa Nova und Electro-Pop, wie auch auf Minimal-Art, Jazz oder Chanson liegen. Stereolab formierten sich 1990 in London aus den Resten der Gitarren-Band McCarthy mit den Ideengebern Tim Gane (Gitarre, Keyboards) und Laetitia Sadier (Gesang, Keyboards, Gitarre). Sie benannten sich nach einem Sublabel von Vanguard Records, für das solch wegweisende, unabhängige und einflussreiche Künstler wie Sandy Bull, Larry Coryell, Odetta und auch Joan Baez aufgenommen haben. Schnell fanden Stereolab im pulsierenden London eine Lücke zwischen Post-Rock, Mutant-Disco, Minimal-Art, Bossa Nova und Kraut-Rock, die sie kreativ ausfüllen konnten. Bei ihnen lernt die  Elektronik seitdem das Swingen und Grooven, sie reihen Pop-Traditionen in avantgardistische Ausflüge ein, sie verschmelzen brasilianische Klänge mit Kraut-